列奥纳多·达·芬奇（1452—1519）是意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师，是文艺复兴艺坛三杰之首。他是人类智慧的象征，他怀有神灵般的无限理想，试图重新创造世界的美，度量世界的广大无垠，解释世界的奥秘。他的抱负是发现一切、研究一切、创造一切。恩格斯在《自然辩证法》中把他列为“文艺复兴时期的第一巨人”。
学识渊博、技艺精湛的天才达·芬奇是永不满足的探险家。他思索的触角远远超越了他的时代，有的竟然能够与我们现在的时代汇合。虽然临终前他曾心酸地说过：“我一生从未完成一项工作。”但我们确信，达·芬奇将伴着《蒙娜丽莎》神秘的微笑走向永恒。
神童画家
文艺复兴是一场伟大的新文化运动，它在继承古代文艺精华的基础上又进行了卓绝的创新。毫无疑问，文艺复兴时期是一个诞生文化巨人的时代。而最早兴起“文艺复兴”运动的国家就是佛罗伦萨共和国。
离佛罗伦萨不远的地方，有一个并不起眼的小镇，名叫芬奇镇。镇上有一个身材伟岸、相貌堂堂的公证人——皮耶罗·达·芬奇。这位生活颇为富足，身壮如牛的小镇公证员经常出入农家田舍。不久，他就有了一段桃色故事：他与同村的一位姑娘在不知不觉中相爱，并且使这位美丽而淳朴的乡村姑娘未婚先孕了。
1452年4月15日，芬奇镇的这位乡村姑娘在草屋生下一个男婴——达·芬奇。皮耶罗显赫的家族不能接受这位贫苦的乡下姑娘。后来，皮耶罗与一位具有社会地位的女人结了婚，达·芬奇便随祖父在田庄里度过了童年。
达·芬奇生性活泼好动，好奇心极强，总爱问为什么，深得母亲的喜爱。5岁那年，由于皮耶罗的妻子不能生育，皮耶罗便强行把他领回家调教抚养。达·芬奇的亲生母亲由于生活无所依靠只好嫁给一位农民，不久就去世了。
家里人都非常喜欢达·芬奇，尤其是他的继母更是像对待亲生儿子一样疼爱他。不久，继母也去世了，父亲续弦，这位继母仍没有生育，达·芬奇成了家里唯一的继承人。
达·芬奇的家庭是佛罗伦萨有名的望族，三代都是著名的公证人。幼时的他是在良好的知识环境中健康成长起来的。到了该入学的年龄，父亲就把他送入学校接受系统的教育。父亲希望他学习法律，继承他的事业，做一名公证人。聪颖好学的达·芬奇，对任何事都很好奇，对数学更是具有浓厚的兴趣，常常提出一些疑难问题，问得老师瞠目结舌，十分窘迫。但是兴趣如此广泛的达·芬奇却唯独不喜欢法律条文。虽然爱好颇多，但只有绘画在达·芬奇心目中占有无与伦比的地位。每天一放学回家，他就扔下书包拿起画笔，不吃不喝，完全沉浸在绘画之中，人们都称他为“小画家”。
在达·芬奇的少年时代，绘画还是一项比较低贱的职业，达·芬奇的父亲一开始并不支持达·芬奇的绘画理想。有一次，一位农民想在自己制作的盾牌上画一幅画，便请达·芬奇的父亲帮忙带到城里请画师画。达·芬奇的父亲却把它交给了达·芬奇，想试试他的画艺。他让达·芬奇在盾牌上随便画点儿什么与众不同的、吓人的、“叫人起鸡皮疙瘩”的东西。达·芬奇决定画一幅惊心动魄、令人望而生畏的盾面画，以达到盾面的效果。他先阅读了几本有关妖魔鬼怪的书籍，然后就开始构思。有一天他突然想起了希腊神话中女妖墨杜萨的传说，并深受启发。墨杜萨是一个蛇发女妖，面貌凶恶，口喷火焰，头发是一条条毒蛇，她的魔眼可以使人僵化为石。于是达·芬奇开始收集女妖的资料，还找了蜥蜴、刺猬、壁虎等一些小动物藏在一间从不准旁人进入的房间里，观察它们可怕的形象。最终，达·芬奇用了一个月的时间，画成了一个骇人的妖怪墨杜萨，展示了自己的绘画天赋。
初露天才
1468年，达·芬奇全家迁居到佛罗伦萨，父亲把他送到了好友韦罗基奥的画坊学艺。韦罗基奥是一位多才多艺的大师，熟知绘画、雕刻、建筑、音乐、工程等方面的知识。他看了达·芬奇的作品后，认为达·芬奇是一个不可多得的天才，便欣然收他为徒。达·芬奇在那里开始系统地学习绘画和雕刻。同时他也认真学习和钻研各方面的知识，为后来在艺术及科学方面的成就打下了良好的基础。
达·芬奇在韦罗基奥画室上的第一课就是画鸡蛋，日复一日地不间断地画。不久达·芬奇便失去了耐心，对画蛋厌倦不堪。他问老师为什么要布置这么枯燥乏味、毫无意义的任务。韦罗基奥回答说：“别以为画蛋很简单，在1000只鸡蛋中从来没有两只完全相同的，即使是同一只鸡蛋，从不同的角度看，形状也是不同的。所以，要想在画布上准确地把它表现出来，非要下一番工夫才行。你要在绘画过程中训练用眼睛去观察形象，用手随心所欲地去表现事物，等到眼手一致时，对任何事物就能应对自如了。”老师的这番话给了达·芬奇很大的启迪，从此他便按照老师的要求去做，绘画技艺得到了很大的提高，很快就成为了韦罗基奥最得意的学生。
1476年，韦罗基奥受圣萨尔宾诺教堂的委托绘制《基督受洗》，教堂限定他在复活节前完成，当时距离复活节只有7天的时间了。一向做事严谨的韦罗基奥不愿敷衍了事，他决定带达·芬奇去希莫尼湖写生。谁知中途遭遇暴雨，韦罗基奥受风寒感冒，高烧不止。由于任务紧迫，他只好叫达·芬奇帮他完成此画剩余的部分。达·芬奇反复琢磨体会老师的创作意图后，只用一天的时间就完成了这幅画。虽然只画了一位跪在基督身旁的天使，但其神态、表情和柔和的色调，已明显地超过了韦罗基奥。韦罗基奥在看了达·芬奇完成的作品后，十分激动地说：“任何人都能看得出来，这幅画最出色的部分就是跪着的那个天使。在你画了天使
之后，我不配再称做画家了。”从此，达·芬奇声名鹊起，成了佛罗伦萨有名的画家。
达·芬奇这一时期的创作还有《圣孕》《拈花圣母》等。一方面受老师韦罗基奥的影响，达·芬奇的作品思想丰富，有着抒情般的意境；另一方面吸收前辈画家乔托、马萨乔、波提切利等作品中的精华，他开始注意用姿态、动作和手势来表现人物的内心世界。
达·芬奇在1481年创作的《博士来拜》，标志着他的艺术风格已达到成熟。此时他的技艺已明显超越了他的老师和同辈。该画由于他要动身去米兰而没有完成，但从原稿上仍可以看出他在构图和形象塑造方面所进行的艺术创新：圣母婴孩和三位博士形成稳定的三角形构图，说明他已不再从叙事的角度简单地罗列有关人物，而是对传统的题材进行彻底的改造。背景是按精确的透视法画的建筑遗迹和奔腾飞跃的马群，色调幽暗的画法使人物形象从阴影中突出，突破了传统绘画明晰透露的特点。达·芬奇的创新预示着文艺复兴时期的到来。
1482年达·芬奇接受米兰公国洛德维科·斯福查公爵的邀请来到米兰，并应圣弗朗切斯科教堂的邀请绘制了祭坛画《岩间圣母》。《岩间圣母》被美术史学家视为文艺复兴时期第一幅纪念性的祭坛画，同时也是文艺复兴时期最具诗意和最具达·芬奇艺术特色的杰作之一。这幅长198厘米，宽123厘米的杰作现藏于巴黎罗浮宫。
画中圣母居于图中央，右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一个天使站在耶稣身后，构成三角形构图。背景是一片幽深的岩窟，花草点缀其间。虽然画的内容仍属于传统题材，但表达手法和构图布局都表明了达·芬奇艺术水平的高深。他在作品中突破了以往用隆重场面来塑造圣母宁静形象的模式，而是把优美又富有诗意的大自然风景和非凡人物的秀美融为一体，歌颂人生的美好和大自然的美妙。这幅画中的形象概括、庄严、和谐、完美。年轻美丽的圣母马利亚以谜一般的微笑展现在人们的面前。《岩间圣母》标志着达·芬奇创作盛期的开始。
在这期间，达·芬奇受到了米兰公爵高度的赞扬，虽赫赫有名，却钱袋空空。无奈，他只好给公爵写了一封信，信中说：“阁下，我明白您的思想转移到了别处……但愿阁下能想起我微不足道的服务……”信中他吞吞吐吐地提醒公爵，还有3年的报酬未支付给他，而目前他的“手头很紧张……”最后他说：“我愿终生为阁下效劳，随时服从你的旨意。”
达·芬奇这种隐晦而又谦恭的提醒使米兰公爵感到异常惭愧，他很快便对自己的这种失礼行为作出了补偿。不久，达·芬奇便接到了一项使他的名字永垂史册的新任务——为米兰圣马利亚德尔格契修道院食堂创作《最后的晚餐》。
餐厅墙壁上的完美之作
1495年，达·芬奇开始创作举世闻名的壁画《最后的晚餐》，此画是他这一时期最负盛名的作品，被称为“人类绘画的极品”。这幅画被直接画在修道院的餐厅墙上，长910厘米，宽420厘米，取材于《圣经》新约全书马太福音第26章犹大出卖耶稣的传说，表现了基督耶稣被捕前和门徒最后会餐诀别的场面。
相传，耶稣曾在耶路撒冷的神殿上猛烈抨击伪善的人们，说他们是毒蛇的子孙。因此遭到他的宗教敌人的仇恨，他们欲将其置于死地。耶稣的门徒犹大因为惧怕黑暗势力而背叛了耶稣，他接受了祭司长30枚银币并答应做内应帮他们逮捕耶稣。逾越节的前夜，耶稣和他的十二名门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的晚餐，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。在餐桌上，耶稣突然非常苦恼地告诉他的门徒们，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说出他是谁，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。犹大被耶稣揭露了叛变行为，便提前离席去给敌人通风报信，带领敌人前来捉拿耶稣。
达·芬奇紧紧抓住最重要的情节，来表现戏剧性的冲突。当耶稣突然向门徒宣布，“我实实在在地告诉你们，你们当中的一个人要出卖我”，正是这一瞬间，门徒们受他们内心感情的驱使，呈现出各种姿态和表情。
画中耶稣坐在餐桌的中央。十二个门徒分四组沿餐桌而坐。耶稣知道门徒中有人出卖了他，摊开的双手显示了他的悲伤，但他仍是平静的。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子上，透过窗子，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。在耶稣右边的一组人中，我们看到一个黑暗的面容，他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋，整个身体都仿佛往后退缩似的。他就是那个叛徒——犹大。他手中抓着的钱袋正是他本人的象征：他是为耶稣和其他门徒保管钱财的人。通过达·芬奇的绘画方式，我们不难辨别出这个罪恶的叛徒犹大。犹大的侧面阴影旁是圣·彼得，他有银色的头发和一双白晳的手，彼得的右手握着一把刀，刀尖对着犹大的背后，偶然间透着某种暗示。在所有门徒中，圣·约翰是耶稣最喜爱的一个。他和耶稣一样平静，显然已经领悟了耶稣的话。耶稣左边是小雅各，他摊开两手大声惊叫。从小雅各的肩上望去，是圣·托马斯，他疑惑不解的神色通过他竖起的手指表现出来。小雅各的另一边，圣·菲利普正往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：“你知道我的心，我是永远不会出卖你的。”他由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，是画面所要表现的中心。侧面的巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎在要求大家安静。右边还剩下其他三个门徒，他们正在讨论耶稣说的那句话，他们的手指向餐桌的中央。所有的这一切都发生在这幅伟大的作品之中，每当我们欣赏它时，都会从门徒的动作和表情中获得新的含义。
这本来是一个多世纪以来的传统题材，但只有达·芬奇的《最后的晚餐》达到了最高的成就。巧妙的构图和独具匠心的经营布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，使观者感觉情景似乎就发生在眼前。在人物布局上一反平列于饭桌的形式，将基督独立于画面中央，其他门徒通过各自不同的手势、表情，分别表现出惊恐、愤怒、怀疑、表白和慌张的情绪。这种典型性格的描绘，突出了绘画的主题，与构图的统一效果互为补充，堪称美术史上最完美的典范之作。
达·芬奇从1495年开始着手创作《最后的晚餐》。为了更好地把握人体，达·芬奇不顾教会的禁令，解剖尸体30多具，并深入生活，对各种类型的人进行长期细致的观察，琢磨他们的动作和神态。
《最后的晚餐》的创作时间集中在1495年至1498年间，在那段时间里，达·芬奇把全部的时间和心思都放在了绘画上，像疯了一样。与他同时代的意大利作家玛蒂奥·班杰洛曾与达·芬奇相处过一段时间，他在自己的回忆录中写道：“从太阳升起直到夜幕降临，达·芬奇的画笔从不离手，常常达到废寝忘食的地步。有时，在正午时分，骄阳似火，我也会看到他从韦西亚议会大厦出来，直奔修道院，爬上脚手架，给某个部位添上几笔。”
达·芬奇的这种作画方式令有些人很不能理解。修道院的副院长以为作画就和在菜园干活儿一样，不能停歇。他一看到达·芬奇沉思默想，就以为他是在拖拉工作，心里十分不满，便跑去向公爵告状。公爵找来达·芬奇问话，达·芬奇回答说：“有天资的人，当他们工作最少的时候，实际上工作得最多。因为他们在构思，把想法酝酿成熟，然后很快地付诸实践。”他还说，这幅画还有耶稣和犹大两个人的头像没有画好，人间很难找到具有耶稣那样神圣仪容的人做模特；而犹大的头像更叫人伤脑筋，他不知道该如何表现这个叛徒的嘴脸。如果催得太急的话，他只有按照副院长的尊容画了。公爵听后哈哈大笑，从此副院长再也没有告过他的状。
天才间的竞赛
1499年，法国入侵米兰，翌年，达·芬奇便返回故乡佛罗伦萨。
在家乡，达·芬奇展出了自己的新作《圣母子与圣安娜》。作品表现的是圣母马利亚和她的母亲圣安娜以及施洗约翰相聚时的欢快景象。他用柔和的基调和自己独创的明暗转移法来表现神圣家族崇高而又纯洁的感情。他故意减弱强烈的阴影，使整个画面看起来好像蒙上了一层淡淡的月光，使之洋溢着抒情诗般的情调。达·芬奇的明暗转移法消减了明暗之间的明显界限，让画面产生丰富的层次，呈现凹凸感。
1503年，佛罗伦萨政府聘请达·芬奇为纬基奥宫的会议厅绘制《安加利之战》。15世纪40年代初佛罗伦萨贵族军队与伦巴第贵族军队之间发生战争，结果佛罗伦萨贵族军队获胜。市政当局决定绘此壁画来纪念这场战争。当时米开朗琪罗也在佛罗伦萨，他已经完成了《大卫像》。年轻气盛的他想要和达·芬奇比个高低，于是他请求政府允许他在会议厅的对面墙上画另外一幅壁画《卡希那之战》。两位天才的艺术家在家乡展开了一场壁画竞赛，这成为西方美术界一段有名的佳话。
他们的绘画虽然都是以战争为题材，但却选择了不同的表现视角。达·芬奇坚决反对战争，认为战争是最野蛮和愚蠢的行为，他不想用自己的彩笔去为贵族间的冲突歌功颂德，他决定利用这一题材，着重描写战争的残酷性。
《安加利之战》描绘了战场厮杀、尸横遍野的情形，唤起了人们对战争的厌恶之情。为了揭露战争的实质，画家突出展现了战争处于剑拔弩张的时刻，即双方为争夺军旗而进行的一场疯狂厮杀。著名评论家瓦萨里在他的《最著名的画家、雕刻家和建筑家传记》一书中对这幅画作了形象的描述：“这幅画构图精彩，整个处理非常有力，显示了大师的高度技巧，是大师最杰出的作品之一。除了其他的特色之外，值得一提的是在这个画面上不仅是人，连战马也充满着愤怒，互相敌视，显出虎视眈眈的表情。有两匹马把前腿抱在了一起，彼此用牙齿厮咬着。其疯狂的程度不亚于争夺军旗的战士……那个戴红帽的老兵也一手抓住旗杆、一手高举着战刀，愤怒地咆哮着，疯狂地向两个对手砍去，想砍掉他们那双抓着旗杆的手。而这两个战士却紧咬牙关，死死地保护着军旗，顽强地战斗着。在地面上，在马蹄缝中，还有两个缩短的人体正激烈地厮打着。一个已被打倒在地，另一个向他扑来，那只握着匕首的手已经举到最高点，眼看就要用尽全力，向敌人的喉头刺去。倒地者双手和双脚拼命地挣扎着，惊恐地面临着死神的袭击。”
米开朗琪罗则热情歌颂了正义的战争，赞扬了士兵保卫祖国、英勇献身的爱国主义精神。《卡希那之战》描绘的是正在洗澡的士兵听到紧急集合哨时表现出来的各种姿态，以此唤起人民的爱国热情。
这两幅壁画都以其强烈的艺术效果震动了世界人民的心灵，它们被称为“全世界的艺术典范”，但遗憾的是它们都没能被保留下来。
《蒙娜丽莎》神秘的微笑
举世闻名的《蒙娜丽莎》是文艺复兴时期最卓越的肖像画之一，它标志着达·芬奇艺术的最高成就。
《蒙娜丽莎》长77厘米，宽53厘米，作品上的蒙娜丽莎面部柔和，嘴角上挂着一丝刚刚可以觉察出的微笑；双手没有任何的装饰，交叉放在安乐椅的扶手上；披散的卷发自然地垂落在裸肩之上；两眼凝视前方，似乎对前途充满了信心和希望。自问世以来，蒙娜丽莎以她神秘的微笑征服了整个人类长达5个世纪之久。
1503年达·芬奇接受佛罗伦萨银行家佐贡达的邀请为她23岁的妻子画像。
在当时的人物画像中，人物的形象都比较呆板、生硬，缺乏真实的内心情感。这是由于中世纪的欧洲长期处于封建和基督教会的黑暗统治之下，“禁欲主义”被奉为信条，人们被剥夺了自由幸福生活的权利。达·芬奇一心想打破这一传统，他受人文主义思想的影响，尊重生命尊重人的内心情感。他想在《蒙娜丽莎》中描绘新时代的女性，表现她们正在正视自己的生活。
习惯于上流社会生活的佐贡达夫人是一个冷漠、理智的女人。为了唤起她发自内心的情感，达·芬奇专门请了钢琴师演奏优美的乐曲、滑稽演员做风趣的表演。但佐贡达夫人对此却无动于衷，依然保持着冷漠的神情。
达·芬奇没有得到他想要捕捉的东西，只好不断地延迟画期。达·芬奇挖空心思想要唤醒这位消沉、淡漠的贵妇。他给她讲外面的世界；讲鸟雀标本、蛇、蜥蜴；讲他的实验室里奇形怪状的仪器……所有的一切对蒙娜丽莎来说都是那么的新奇、有趣。以前，她生活的全部就是首饰、化妆，流行的发型、流言飞语、来自世界各地的美味……围绕着她的只有账簿和关于贷款、交易额、利润的没完没了的谈话。而达·芬奇所说的却完全是另外一回事，渐渐地她喜欢上了和达·芬奇谈话，在绘画过程中表现得也越来越自然。
有一天，佐贡达夫人在翻阅达·芬奇的草图的时候，忽然发现了画着鸭掌的图画，她感到非常疑惑，就去问达·芬奇。达·芬奇说，这是他为研究和设计飞行器而画的，因为水流和气流、水浮力和大气浮力大致相同，鸭子在水中滑行和飞禽在空中飞翔有某种相似之处。鸭掌滑水动作虽然简单，但却隐藏着飞行器飞行的某种秘密。他准备设计一种飞行器，一旦设计成功，人类将可以在空中自由飞翔……佐贡达夫人饶有兴趣地听着，她的面孔明亮起来，那双本来缺乏表现的眼睛里，闪现了火花。
这让达·芬奇惊喜不已，他赶快回到画架前悄无声息地工作，生怕错过这一瞬间。虽然幸福的微笑正慢慢地从她的脸上消失，但那微笑还隐约地留在两个嘴角，给她的脸增添了神秘莫测而又调皮的神情。达·芬奇捕捉到了佐贡达夫人内心深处的微笑，并把它成功地塑造了出来。这幅油画被命名为《蒙娜丽莎》，人们从佐贡达夫人的脸上再也看不到中世纪女性郁郁寡欢的神情了，取而代之的是美好幸福的微笑。达·芬奇把蒙娜丽莎的微笑描绘得极其生动、自然、淳朴而又甜美，耐人寻味而又百看不厌。更值得一提的是，根据当时的社会风尚，女性喜好广阔的额头，大都故意将眉毛刮去，所以在《蒙娜丽莎》画像上，蒙娜丽莎是没有眉毛的，其形象的艺术效果仿佛大理石雕像一样。
1506年，达·芬奇最终完成了《蒙娜丽莎》。此时，达·芬奇已经54岁了，功成名就的他仍孑然一身。
达·芬奇一直将这幅画珍藏在自己的身边，晚年移居法国也不离左右，最后遗存于巴黎。现今《蒙娜丽莎》珍藏于法国罗浮宫。据说，罗浮宫有三件宝：一是米洛斯的《阿佛洛狄忒》；二是萨莫色雷斯的《胜利女神》；还有就是达·芬奇的《蒙娜丽莎》。
漂泊的晚年
尽管在《蒙娜丽莎》的创作中，达·芬奇取得了空前的成就，但他依然郁郁寡欢。他不时对弟子说，现在是收拾东西走路的时候了。1506年春，法国总督请达·芬奇去米兰为他画肖像。虽然达·芬奇明白一旦离开家乡不知何时才能回来，但他还是从容不迫地踏上了艺术征程。离开之前，他走遍了他童年、少年所生活过的地方，对故乡的一草一木都作了告别。
在米兰，达·芬奇才思泉涌，创作热情极高。他开始发掘美丽的神话题材。《圣母子与圣安娜》是他这一时期创作的一幅发人深省的画。这幅画着重表现互相联系的三代人圣安娜、马利亚、耶稣。容光焕发、微笑着的圣安娜、马利亚在照料和一头羊玩耍的小耶稣，她们对未来充满希望。这里面蕴涵着丰富的哲学意蕴；生气勃勃的胜利就要来临了。另外，达·芬奇还为他的朋友数学家帕乔利《神圣比例学》一书作插图60幅。
1501—1513年，达·芬奇用红色蜡笔为自己做了素描自画像。画面上达·芬奇有波浪起伏的头发、修长而漂亮的胡须；高高的开阔的前额覆盖着深深的皱纹；浓浓的双眉垂在眼睛上面，双眼闪烁着雄伟和智慧之光；他的双唇闭着，带着一些哀痛的微笑。这幅《自画像》中，画家描绘起自己来可谓得心应手，用的线条生动灵活，概括性极强，简单的寥寥数笔却包含了许多转折，立体感很强，人物的表情也很传神。他用的线条丰富多变，刚柔相济，尤其善用浓密程度不同的斜线表现光线的微妙变化。《自画像》的艺术水平已达到极高的境地，被誉为素描艺术的典范。他的素描甚至超过了现代摄影技术。这些素描艺术手法使后来的不少画家受益匪浅，因此，此画虽然是素描小作，但它的艺术美、形式美却丝毫不亚于达·芬奇的那些恢弘巨制，历经岁月依然以其隽永的魅力吸引后世美术爱好者的赞赏和推崇。
由于米兰社会的急剧动荡，1513年9月，达·芬奇带着弟子离开米兰，开始漂泊。他们日夜兼程来到罗马，但罗马并没有带给达·芬奇幸运与安宁。在罗马他历经磨难，多次陷入困境。
与此同时，米兰发生了重大的变化。弗朗索瓦一世取得了对米兰的胜利。一到米兰，他就像他的前任一样，首先造访了圣马利亚德尔格契修道院。在那儿，他看到《最后的晚餐》后，便立刻叫人给达·芬奇写信，表示想在米兰见到他的愿望。正急于脱离罗马的达·芬奇立刻赶回了米兰。
在米兰，达·芬奇很受法国国王的敬重，他成了宫廷的贵客，享受特级款待。虽然他已是位老人，但因为气度高贵、外表庄重，仍然很引人注目。以至于很多的宫廷贵族都效仿他的习性、举止、言谈，甚至效法他的衣着。
达·芬奇决定在法国国王赠送他的克鲁克斯城堡里度过余生。但是年老的达·芬奇显得越来越忧郁——他想念自己的家乡了。1518年11月佛罗伦萨的红衣主教路易治路过克鲁克斯城堡，就顺路来看达·芬奇。一听说故乡有人来，正在后山散步的达·芬奇仿佛年轻了10岁，马上跑回家来见客人。
他们聊了很多很多，达·芬奇把自己的作品都拿来给路易治观赏。路易治目不暇接，当看到《蒙娜丽莎》时他完全被那微笑吸引了。此时的达·芬奇也是老泪纵横、喉咙嘶哑。
路易治走时，达·芬奇送他走了很远很远。
路易治走后不久，达·芬奇就病倒了。他的学生说，是对故乡的思念害苦了他。1519年4月23日早上，弟子麦尔兹来看达·芬奇时，发现他竟然彻夜未眠，一直在看他自己的笔记。这天，达·芬奇派麦尔兹叫来公证人，写下了自己的遗书。他精细地分配了自己的遗产，甚至于连他出殡时用多少根蜡烛，受雇参加出殡人的报酬都作了规定。
5月2日达·芬奇离开了人世，享年67岁。他的那幅自画像是他留给世人唯一的遗像。
