五、电子音乐（Electronic Music）
电子音乐是20世纪50年代兴起的一种新音乐。狭义讲，电子音乐是指用电子技术获得各种音源制作而成的音乐。它用正弦波造成无泛音的所谓纯音，或用打击乐器、嘈杂乐器发出的杂音，也用人声和具体音乐相结合，通过声音滤波器和反响设备，使之变形、变质、变量，再经其他电子仪器和录音技术加以剪结处理，使之再生、复合，组成作品等。从广义上来说，电子音乐这个词可以指很多的音乐，几乎涵盖了所有的音乐类型，因为电子乐器的使用变得越来越普遍了，因此，只要是使用电子设备所创造的音乐，我们都可以把它们看着电子音乐范畴。任何以电子合成器、效果器、电脑音乐软件、鼓机（drum machine）等“乐器”所产生的电子声响，也都可以合理地称为电子音乐。现在人们所听到的大部分音乐都可以称为电子音乐或有电子音乐的成分。20世纪50年代末产生的电子音乐合成器使电子音乐向前迈进了一大步，它可以直接控制音调、节奏、力度和音色，制作者选择应用电钮就能产生各种奇妙的音乐，真是一项伟大的发明，电子合成器至今仍然活跃在音乐舞台和录音棚。我们平常在音乐圈讨论的电子音乐主要是从它的狭义方面讲，但看来这是远远不够的，应该要有更加广阔的视角。电子音乐经历了录音带音乐、合成器音乐、计算机也就是电脑音乐三个阶段。自从电脑进入音乐领域，音乐的创作、制作、合成、演出等都发生了翻天腹地的变化，现在，电脑模拟的传统乐器声音已经达到了以假乱真的地步，而且电脑还可以模拟人类和大自然的所有的声响，以及制作出人类和大自然所没有的各种音响效果，几乎是应有尽有。随着电子音乐的不断发展，电子音乐在聆听方面也遇到了新的挑战，对许多作曲家来说，传统的音乐厅演奏已经太不适合，新兴的电子音乐似乎需要新的聆听条件，需要更适合它的多维、立体的音响面，在时间和空间上，给听众更加自由的聆听环境，（比如在音乐厅内自由活动、给乐队伴舞等），这些条件已经有许多作曲家明确表示过支持。此外，作为电子音乐的一种，MIDI（Musical Instrument Digital Interface，乐器数字接口）技术的产生极大地丰富了电子音乐的内涵以及功能。通过使用MIDI音序器，音乐家在家里就可以把曲子创作好，配上器，再也用不着非得找乐队在录音棚里一个声部一个声部的录制音乐了。只需要把存储器里的信息调出来，再借助录音棚里的电脑、键盘和分轨录音机，即可进行后期录制、合成非常方便，这样可以节省大量的人力、物力和时间（也可看做是另外一种环保和低碳）。因此，MIDI技术的出现，大大地降低了作曲、配器和演奏的成本。MIDI的应用范围相当广泛，歌曲伴奏、电影配乐、广告配乐，背景音乐、摇滚乐、爵士乐中都会出现。而且MIDI技术也是日新月异，它正沿着这条道路不断向前拓展、推进。可以毫不夸张地说，我们的音乐生活已经越来越离不开MIDI了。我们也可以将MIDI划分为狭义“MIDI”和“广义MIDI”两种概念，狭义MIDI就是上面所说的音乐设备数字接口，而广义MIDI则是大家已经约定俗成的整个电脑音乐系统的总称，这样既不会造成概念上的进一步混乱，也不会使得MIDI一词失去其本质的含义。需要说明的是：由于这些电声乐器或电脑音源发出的声音始终没有完全达到真乐器的韵味（虽然已经非常接近），也就是我们常说的所谓人味（至少目前是这样），因此，这些所谓的电子音乐常常不是独立地完成自己的使命，而是与传统乐器一道形成一部完整的音乐作品，包括纯音乐作品和歌曲伴奏，以达到“以假乱真”的地步，普通人是不容易发觉的，他们往往在听歌曲或轻音乐的时候还以为是乐队在那里演奏呢。
六、偶然音乐（Chance Music）
偶然音乐是西方20世纪现代音乐流派之一，它是指作曲家一定程度的故意对作品或演出不加控制的音乐，亦称“不确定性音乐”或“机遇音乐”。1945年以后许多音乐作品的一种倾向，它始于20世纪中叶，在西方有一定影响。偶然音乐最早的萌芽或可追溯到18世纪的某些音乐游戏。这些游戏用掷骰子的办法，从各种小盒子中取出不同的事先编写好的音乐片断，然后拼凑成曲，有时会有意想不到的效果。我国五、六十年代就有作曲家尝试这种方法，以期找到较为特别的旋律走向或主题动机，后来都被批判为封资修一类加以抛弃，其实现在看来，这种作曲技法还是有一定道理的。20世纪现代派作曲家据此加以发展，将偶然性夸大到决定性的地位，产生各种偶然音乐。偶然音乐的创始人是美国的约翰·凯奇，他最早的偶然音乐作品钢琴曲《变化的音乐》，其乐谱上的音高、时值等是按中国的《易经》以及由3个金钱占卦来决定的，想起来真是不可思议。他曾用24人操纵12台收音机，各按乐谱上的规定不断改变电台的频率，并变化音量，得出一片事先无从得知的音响（也可以说是一片噪音），但这就是它的音乐作品。他的最极端的作品当属《4分33秒》，虽然他声称可用任何“乐器”演奏，但实际上是演奏员只在台上沉默4分33秒即告结束，在此期间偶然出现的任何声音都算这首作品的“音乐”，真可以说是前无古人后无来者，也只有约翰·凯奇才想得出来，谁再搞个《5分33秒》、《6分33秒》还有意义吗？再如他的《钢琴与乐队的音乐会》并无总谱，只有许多分谱，演奏员可任意选择分谱，按任意次序进行演奏甚至不演奏等。其他作曲家也写有一些偶然音乐作品，如斯托克豪森的《第十一钢琴曲》，全曲共19段。演奏时可任意颠倒次序，并可根据指定的各种不同的速度、力度、触键法中任选其一。法国作曲家克赛纳基斯在创作时使用数学中的或然律及博弈论，自称为“随机音乐”以与偶然音乐相区别，但实际上大同小异。
约翰凯奇之《四分33秒》
这是美国作曲家约翰·凯奇的一部前无古人后无来者的作品。作曲家约翰·凯奇请钢琴家上台在钢琴前坐下，观众们坐在剧场安静地等着。1分钟，没有动静，2分钟没有动静，3分钟，人们开始骚动，左顾右盼，想知道到底怎么了，到了4分33秒，钢琴家站起来谢幕：“谢谢各位，刚才我已成功演奏了《4分33秒》。”这就是这部作品的全部内容，这部作品从一诞生就争议不断，有的人认为它新奇无比、勇于探索，有的人却认为它彻底毁灭了音乐。《4分33秒》是美国经典，可人们大都谈论甚多，演出甚少。BBC首次播放了无声音乐《4分33秒》如果你在收听或者收看BBC频道时突然发现收音机和电视不出声，千万不要大惊小怪，更不要急着换台，此时正在欣赏的是世界著名、不可多见、却又颇具争议的先锋艺术家约翰·凯奇最知名的作品《4分33秒》。据说《4分33秒》是BBC交响乐团音乐会的一部分，该乐团此前已经在指挥家劳伦斯·福斯特行云流水般的指挥棒下对该乐曲排演多次。《4分33秒》也颇符合中国古典文化中“无声胜有声”的意境，这首绝对无声的有声作品令艺术家和观众必须绝对“洗耳恭听”。1952年初次演出时，该曲曾引发大规模抗议。即使在半个多世纪之后，仍然在观众中颇具争议。不过至少现在法院已经认可了它的价值。2002年，凯奇的出版商指控英国音乐家迈克·巴特剽窃凯奇作品。巴特在他的“行星”摇滚乐队唱片中有一分钟的沉默。为此，巴特最终向约翰·凯奇信托委员会支付了高达6位数的罚金，这是真正见识了什么是“沉默是金”。
七、微分音乐（Microtone Music）
微音或微分音就是小于半音的音程。它在音律上突破了传统的一个八度内十二个半音的限制，把一个半音再一分为二，或把一个全音一分为三，是西方现代主义音乐的作曲技法之一。从历史来看，由于律制的不同，微分音在音乐中出现并不罕见，但自巴赫确立十二平均律后，作曲家一般都只以半音为最小音程单位进行构思、创作。1895年墨西哥作曲家卡里略，首次使用四分音写成了一首弦乐四重奏。以后，其他作曲家也陆续做了这方面的尝试。如美国作曲家艾夫斯用四分音写了弦乐曲、双钢琴曲，以及在他的《第四交响曲》中也使用了微分音分音。在欧洲，微分音音乐的先锋派作曲家有意大利的布索尼，他应用了三分音，而捷克的哈巴则使用了四分音及六分音，甚至用四分音写了歌剧《母亲》，用六分音写了歌剧《天国来临》。在应用微分音的同时，有的作曲家也探索使用非十二平均律，如卡里略试用了十六分音及九十六平均律，美国作曲家亚瑟主张用十九分律等。为了记录微分音，也出现了各种新的记谱法。如哈巴的四分音及六分音记谱法，波兰作曲家彭代雷茨基的四分音记谱法也较为知名。为了演奏微分音音乐，1892年出现了四分音钢琴。哈巴曾先后设计了3种四分音钢琴，1架四分音管风琴，1架六分音管风琴以及四分音单簧管、小号、圆号、吉他等。卡里略和帕奇也设计了各种可演奏微分音的乐器。尽管如此，由于演奏及人类听觉的限制，微分音音乐尚处于探索阶段。我们认为微分音乐与普通人距离遥远，人类要完全接受微分音路途还漫长，这很可能和人类自身的进化密切相关。因此，对于一般人，微分音音乐只是音乐海洋中的一朵浪花、一道风景。
[作曲家简介]
勋伯格（AmoldSchoenberg，1874—1951）
勋伯格1874年9月13日出生于维也纳。奥地利作曲家、音乐教育家、音乐理论家，是20世纪最有影响的作曲家之一，也是十二音体系的创始人。八岁开始学习小提琴，父亲并未能在早期认识到他的音乐才能，童年时的家庭不幸，使他无法获得系统完整的音乐教育，一度随泽姆林斯基学习对位，随阿德列学习和声和视唱练耳，另外一位语言学家、文学家、哲学家、数学家大卫·巴赫，很深地影响了他不向传统及一般偏见低头的坚强性格，而这三个人基本和他是同龄人。他那些日后渊博的音乐知识基本上全是靠自修得来。1911年至20年代，执教于柏林和维也纳。他首创十二音作曲技法，他认为十二音作曲法是一种提高，是走向“更高、更好的音乐秩序”。勋伯格向人们展示出他内心深处的世界，这个世界充满了恐惧和梦幻。他与他同时代的维也纳心理学大师弗洛伊德一样，将人们潜意识世界发掘了出来。因而被人们称为表现主义者。“表现主义”是艺术家对内心经验的刻画，而稍早一点的“印象主义”却是艺术家对外界印象的捕捉。勋伯格的最大贡献在于继承、发展并最终打破了19世纪德国浪漫主义的音乐传统，系统地创建了序列主义的音乐理论和方法，从而完成了从浪漫主义音乐向现代音乐过渡的历史性任务。起初他的作品每次演出都会受到观众的嘲笑，希特勒上台后，当局谴责其音乐“颓废”，将其解聘，解聘的理由是他来自犹太人家庭，而实际上他却是位天主教徒。1933年，勋伯格移民美国，定居加利福尼亚，先后执教南加州大学和洛杉矶加州大学。同时他又重新皈依犹太教，这可能是因纳粹无理的行动带给他的认同感，1944年入美国籍，在美国写了大量音乐作品，其中的许多作品回到比较传统的曲式和调性原则（实际上，他一直认为“无调性”一语用词不当）。勋伯格是音乐史上少数的几个思想家之一，他的演讲与论文不论是关于人或音乐的都包含了极高的智慧。勋伯格于1951年卒于美国，但是由他开始的争论一直没有停息。
约翰凯奇（John Cage，1912—1992）
美国作曲家，钢琴家，音乐理论家，哲学家，诗人，1912年9月5日出生于美国洛杉矶。早年学习绘画，但不成功。曾随亨利·考埃尔、阿诺德·勋伯格学习音乐，是偶然音乐（机遇音乐）、电子音乐以及非常规使用传统乐器的探索者，战后新音乐的领军人物，被评论家称为美国20世纪最具影响力作曲家之一。凯奇是一个孜孜不倦的音乐实验家和不遵守传统音乐规律的人。他曾在钢琴的琴弦之间放上各种不同的物体，从而改变了钢琴的音响及音色，被称为加料钢琴。他探究了偶然音乐、电子音乐和无声音乐，这些音乐都降低或（在有些情况下）排除了作曲家的作用。40年代，凯奇在北卡罗来纳的黑山学院听到了日本人铃木大拙关于佛教和禅学的讲课，深受其影响，很快成为禅宗的追随者。他开始把禅学思想运用在对作曲的新尝试中，把音乐想象成“无目的的游戏”，认为生活只是生活本身，一切都要顺其自然，而无须刻意从混沌和偶然中寻找出什么秩序，由此成为了“偶然音乐”作曲家的早期代表人物。他可以打破所有传统作曲技法、所有标准乐器及其标准演奏法为“音乐”所做的既成限定，用一系列连他本人都没有预料也根本不可能预料得出来的音响效果作为他的作品，给听众营造意境并昭示哲理。他还从中国的《易经》中吸取灵感，曾一度信奉毛泽东思想。约翰·凯奇一生中所作的前所未有的作品也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“沉默”（Tacet）。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。他还写有多部论著，包括《无声》（1961年）《记谱法》（1969年）等。凯奇是美国人文背景中产生的音乐家，他的思维和行为方式都带有典型的美国式特点——开拓、创新和向传统挑战。从某种角度说，他开创了一个时代，却给音乐带来了严重危机。
