画家在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的恬(tián)静、纯洁和抒情的美感，少女的姿容远远超过了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生机也更理想化了。少女纤细的肌肤、修长成熟的身体犹如清泉之水一样纯净。这是安格尔幻想式的美的境界，这正是他追求的风格的最高境界。这幅作品从一开始酝(yùn)酿(niàng)到完成相隔36年的时间。炉火纯青的写实笔法表达了安格尔对“永恒的美”的向往。现在这幅画已经成了卢浮宫镇馆之宝。
《拾穗者》是一幅什么样的作品？
《拾穗(suì)者》是法国杰出的现实主义画家让·弗郎索瓦·米勒(1814～1975)的一幅代表作。
他是邓比松画派的典型代表。1849年定居巴比松村后，他在那里一直生活了27年，其间，创作了许多广为人知的优秀作品。他用独到的艺术语言把农村劳动者的精神世界刻画得十分深刻，画风质朴凝重，色调浑厚《拾穗者》是他的代表作。《拾穗者》原来的题目叫做《八月》，表现的是一个欢乐的农村收获场面。几位接近米勒的社会活动家建议画家修改构图。在他们的鼓励下，米勒渐渐把繁忙的收割场面推到背景，而前景只剩下3个拾穗的农妇。这幅作品在沙龙展出后，引起人们的强烈关注，有人甚至撰(zhuàn)文说：“这3个突出在阴晦的天空前的拾穗者的后面，有民众暴动的刀枪和1793年的断头台。”这种说法虽然耸人听闻，牵强附会，但是，米勒的这件作品确实具有一种巨大的艺术撼动力量。
五线谱是怎么来的？
五线谱是用五条横线来记载音乐的一种记谱法。它的出现至今已有1000多年的历史。10世纪，法国人古多用四条横线来记载音乐。这个发明几乎震动整个欧洲。当时的罗马教皇知道之后，立即将古多召到罗马，并命他把罗马教堂收藏的乐谱，用古多式的记谱法改记。
当时古多式的记谱法还很不完善，连拍号，小节线条还都没有。直到17世纪初，人们将四条横线改为五条横线，又增加了一些记谱符号，才正式形成五线谱体系，并为世界各国所普遍采用。
数字简谱是谁发明的？
数字简谱最早是由17世纪法国天主教“芳济各”教派的僧(sēng)侣苏威地正式提出的。他的目的是为了便于教群众唱宗教赞美诗，可惜当时没有人响应。18世纪中叶，法国着名思想家卢梭深深感到五线谱记谱方法的复杂，以致造成了群众在音乐学习上的困难，于是，他大声疾呼，要简化记谱方法。1742年，他在法兰西科学院作报告，提出了他的数字记谱制度的设想，又在《论现代音乐》一文中，具体地阐述了这套数字记谱制的内容；1767年，卢梭又把它编人他的《音乐辞典》中。但是，由于音乐界许多人的激烈反对，数字简谱未能得以实施。
此后，数学教师加兰以及帕里斯等人对简谱作了进一步的改进，后来，一位名叫谢维的医生把整个简谱制度加以编书成册，并通过大办群众合唱团加以大力推广。这个记谱制，在法国被称作“加兰一帕里斯一谢维记谱制”，受到了众人热烈的欢迎，并得到了官方正式的承认。
音乐指挥棒是怎样来的？
在记谱法还没有问世之前，欧洲的音乐都靠口头传授。在祭(jì)祀(sì)舞蹈活动中，领唱者为了向歌手们指挥旋律，用手在空中划出旋律线来。这种最早的指挥法在当时叫“手势术”。
在17世纪的希腊，一些乐队的指挥指挥时用脚蹬地，或挥动着手绢，还有的用手杖敲击地板。指挥歌剧的人更是特别，他坐在钢琴旁，手拿木棍，按着节奏敲击桌子，发出“砰砰砰”的声音，因而被称之为“伐木者”。17世纪，有人又用铁杖敲击地板作为指挥。法国音乐家卢利就因用铁杖指挥击伤了自己的脚而致死。
18世纪初，歌剧作曲家哈赛在德国用大键琴指挥演奏，收到了意外的效果。接着又有人用谱纸卷成棒状指挥乐队。1802年，德国小提琴家史博在伦敦演奏时，首次使用了指挥棒。指挥有了这根“魔棒”，挥舞起来得心应手，于是指挥棒很快便风靡世界各地。
贝多芬是“交响乐之王”吗？
路德维希·范·贝多芬，1770年12月16日生于波恩，从4岁起，贝多芬就在父亲的严格要求下弹起了钢琴。他还曾跟莫扎特上过一段时间的音乐课。
关于他学习的故事，有许多传说。有一次，他与几个朋友到郊外散步，看到美丽的田野、翠绿的青山、蜿（wān）蜒（yán）曲折的河流，他禁不住又想到该用什么样的旋律来表现了。散步中，朋友们说说笑笑，惟有他一言不发。很长时间之后，他突然大声喊道：“找到了，找到了，我找到了？”。
说完，狂奔着就跑回家去了。惊得朋友们不知说什么才好。回到家里，他就把刚才所见的美丽景色用乐曲的形式在钢琴上弹奏出来了。这首曲子就是后来人们熟知的洋溢着大自然诗情画意的《第四交响乐》。
27岁时，他患了耳聋症。这对于酷爱音乐、视音乐如生命的贝多芬来说，无异于夺去他的生命。
1824年5月7日，他创作出了一生的最后一支交响曲——《第九交响曲》，在开演奏会时，他为乐队打拍子。可是，演奏结束了，他仍然在打拍子。当他扭转身时，才看到观众在发疯似的鼓掌。
有位哲人这样说过，如果能够正确地对待失败和挫折，那么，贝多芬给人的将是更加顽强的意志和更加坚韧不拔的精神？正因如此，贝多芬在这段时间里表现出了旺盛的创作劲头，在1801到1812这十余年间，他创作了许多成功的作品，有《第二交响乐》、《克莱（lái）策奏鸣曲》、《第三交响乐》(又叫《英雄交响乐》)、《曙（shǔ）光奏鸣曲》、《热情奏鸣曲》以及后来的第四、第五、第六、第七、第八交响乐。其中，《第五交响乐》被认为是贝多芬最受欢迎的交响乐，也是他的作品中最完美的典范作品之一。其主要内容是告诉人们不要屈服于命运的安排，要积极勇敢地与命运作斗争。
由于贝多芬这些经典性作品的问世，他成了交响乐之王。
你知道莫扎特与《安魂曲》吗？
法国着名作家司汤达在他的《莫扎特的挽歌》这篇纪实小说中，叙述了莫扎特临终前，经常见到一位神秘的黑衣人不期光顾，终于使作曲家认定，这是死神使者在通报，该是谱写《安魂曲》的时候了。
在莫扎特临终前三个月，莫扎特在给友人的信中写道：“天命难违，谁也不知道自己能活多久；生死有命，是人生不可挽回的，一切只好任随它去……”
莫扎特抓紧制作这部《天鹅之死》的《安魂曲》，在莫扎特还没写完这一生命的最后乐章，便溘（kè）然与世长辞。
美国的奥斯卡获奖影片《莫扎特》，对莫扎特临终前出现的那位索命人，进行了大肆渲染，使莫扎特的生命最后阶段，充满了十分的恐惧感。影片中的黑衣人，如幽灵般使莫扎特终日魂不守舍，终于导致作曲家健康状况的迅速恶化而死。
文学作品中描述的这位黑衣使者，在现实生活中的原型是谁呢？
有的史料记载，黑衣使者是一位专门收买作曲家作品的伯爵（jué）以重金雇佣的侍者。
但是，据历史专家考证，当时的一些人曾认为，莫扎特早就对自己生命的终期有所预感，他对自己的身体状况十分担忧，对已构思好的音乐题材，拼尽全力抓紧创作。
如此看来，莫扎特的死，似乎与黑衣使者无直接关系。至于文学作品中神秘的黑衣索命人，大概是为了增加作曲家结束生命的神秘色彩吧。
为什么称约翰·施特劳斯是“圆舞曲之王”？
圆舞曲，又名“华尔兹”。这种舞曲最早源于奥地利北部的农民舞。自18世纪后叶这种舞蹈开始流行于维也纳宫廷。后来，音乐家韦柏、舒伯特以及奥地利小提琴家兰纳都把它运用在自己的音乐作品中，并加以扩大和发展。它才具有了近代圆舞曲的风格。
圆舞曲能得到提高和推广并风靡全世界，成为尽人皆知的着名曲种，要归功于音乐家约翰·施特劳斯(1825～1899年)。首先，施特劳斯把圆舞曲的速度加快，多用“小快板”，使它变得华丽而活泼。其次，强调节奏鲜明，富有弹性；而且把曲式变成了一种“三部式多段体”。一首圆舞曲中包括好几首小舞曲，演奏时还可适当增减其中某些曲调，曲调发展为可以单独作为音乐欣赏的艺术作品，这是一个很大的飞跃。最后，也是最重要的，施特劳斯赋予圆舞曲丰富的艺术内容，这无疑增加了它的生命力。他的华尔兹都是有标题的，音乐理解形象极为鲜明。例如脍（kuài）炙（zhì）人口的《蓝色多瑙（nǎo）河圆舞曲》、《春之声圆舞曲》、《南国玫瑰圆舞曲》、《一千零一夜圆舞曲》等等。施特劳斯一生中写了168首圆舞曲，被称为“圆舞曲之王”。他的这些优秀音乐作品被后人称为“维也纳圆舞典体裁”。
《蓝色的多瑙河》是怎样的一首曲子？
